“Llegó al cine a través de la mano de mi madre, un reproductor de DVD y ocasionales salidas al cine”, recuerda. Estudió en un colegio en el centro de Santiago, muy ligado a las manifestaciones estudiantiles. Durante uno de los tantos períodos en los que no podía asistir a clases, vio la clásica Taxi Driver, de Martin Scorsese, en la sala de su casa.
Recuerda claramente que, al terminar la película, lo primero que se le cruzó por la mente fue: “¡Necesito saber cómo se hizo esto!”.
Reimaginando el último día de Eduardo Miño
Así de claro se presentó el camino para José Manuel Parraguez, un joven realizador de cine chileno que presentó recientemente Cuerpo al aire, un cortometraje inspirado en la historia de Eduardo Miño. El personaje fue un obrero chileno quien en 2001 se inmoló frente al Palacio de La Moneda, en protesta por su condición de desempleado y por las víctimas de la asbestosis.
“Yo tenía poco más de un año de vida cuando pasó, así que tuve que investigar con detenimiento el caso. Cuando leí la noticia siempre pensé que la iba a terminar incluyendo en alguna obra hecha por mí. Lo que hizo y por lo que dio su vida es algo que no es posible encasillar solo en ese noviembre del 2001, sino en la lucha permanente por el derecho a vivir en un lugar libre de contaminación, sobre todo con el avance del cambio climático y el deterioro de nuestro ecosistema”.
Personajes atravesados por las contradicciones cotidianas
El director de cine y guionista, egresado como Realizador de Cine y Televisión de la Universidad de Chile, se ha desarrollado principalmente en torno a personajes y territorios atravesados por las contradicciones de la vida cotidiana. Ha dirigido los cortometrajes Perraje (2021), documental exhibido en Teatro a Mil; Galgo (2023) y seleccionado en el Short Film Market de Clermont-Ferrand. Ahora presenta Cuerpo al aire (2025), estrenado en FICVIÑA2025 como cortometraje internacional y en el FICIC2026, actualmente disponible en la plataforma Ondamedia para todo el mundo.
Cuerpo al aire es un drama que sugiere con imágenes la tragedia, la desesperanza y también cómo nacen los símbolos. Sin embargo, a diferencia de mucho del cine de arte actual, que es más bien contemplativo, la historia cuenta con muchos diálogos: “Siento que viene de algo que nos caracteriza mucho a los chilenos y es el hecho de poder hablar mucho sin la necesidad de mencionar las cosas de las que se busca hablar directamente», reconoce.
Historias ocultras tras la forma
A lo largo de la película siempre se intuye que las cosas no están bien, no están bien en la ciudad, en el trabajo, en la familia o en el aire. «Y esa es una característica que busco dentro del cine, que es lo que está oculto tras la forma en la que hablamos o actuamos frente al mundo. Mi forma de entender los diálogos es que son una forma de delatar nuestro actuar de alguna manera, definirnos de forma implícita, cómo sentimos y actuamos mediante las palabras”.
De ese modo, Ricardo (el personaje central) traduce esa idea: un hombre que vive su último día despidiéndose de los suyos sin decir adiós. Aunque en el fondo su familia sabe lo que pasa, prefiere no mencionarlo en la mesa y hablar de temas que pueden verse más mundanos, pero que ocultan sus inquietudes y sus pesares.
Una relación con el espacio
Además, el cineasta tiene una relación personal con el lugar donde se desarrolla la historia en Chile. “Loncura es una ciudad pequeña que se encuentra entre el Complejo Industrial Ventanas y Quintero, justo en la llamada zona de sacrificio. Fue el lugar de vacaciones para mí y mi familia durante años, por lo que ir a la playa a jugar con mis hermanos y ver esas gigantescas chimeneas humeando todo el día eran parte de lo cotidiano en el verano. Por lo que nunca le tomamos peso al daño que emanaba del lugar y por el que pasaban los habitantes de la zona diariamente. Es por eso que tomé la decisión de retratar desde la ficción esa problemática ambiental”, explica.
Arte, cine y compromiso social
El compromiso social es algo que impregna su trabajo. Premisa que, considera, debe ser inherente al ejercicio de hacer arte: “Eso termina inevitablemente mostrando lo bueno, lo malo y las contradicciones que tenemos o que tiene el sistema en el que vivimos. En el caso de Latinoamérica siento que esas contradicciones se acentúan un poco más debido a nuestra lejanía tanto cultural como económica con el cine del primer mundo, que tiende a vivir otro tipo de realidades o problemas en diferentes matices. En mi caso trato de rescatar historias con una identidad muy arraigada en la chilenidad y en lo latino, vivencias que difícilmente se pueden encontrar en otro lado”, reconoce.
«No sé si es un compromiso, pero siento que desde la concepción del guion, el arte de contar una historia en el cine nos obliga a ver el mundo desde una posición de observador, casi de estudio.»
El inicio de la historia muestra a Ricardo platicando casualmente con unos jóvenes de la localidad: “Fue la primera escena que escribí para la película, claramente no es solamente un grupo de estudiantes pidiendo cigarrillos a un viejo, representa cómo las generaciones pasadas pasan los males a las futuras. Ricardo como trabajador de la fundición formó parte de la contaminación que se respira en el lugar, a costa de enfermarse a sí mismo también», asegura.
La sensación de que mucho futuro no hay
Es un choque de responsabilidades generacionales que se sintetizan en ese cigarro que pasa de una generación a la otra. Con Ricardo, una generación con la necesidad de proveer estabilidad y jóvenes de una generación que tiene la sensación que mucho futuro no hay”.
Aunque la película se inspira en ese momento trágico y rebelde en la historia contemporánea de Chile, un acierto del director es no mostrar explícitamente el momento de la inmolación: “Siempre tuve la intención de no mostrar la muerte de Ricardo, por un lado por respeto a la memoria y a la de la familia de la cual me inspiré para realizar la película», añade.
Esta no es la primera vez que se retrata su historia y las obras anteriores no fueron del gusto de la familia por una variedad de factores. No queríamos dañar la memoria de Eduardo Miño al representar la muerte buscando caer en sensacionalismos o la espectacularidad del hecho en sí mismo, sino que busqué que la imagen final de la muerte de este obrero enfermo la creara el espectador en la mente, tal como quedó plasmada la noticia en el imaginario colectivo nacional el año 2001”, finaliza.
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